En alianza con GONTRAN CHERRIER creamos el “Espacio de Arte GONTRAN CHERRIER” porque nos interesa darle una impronta artística y cultural a la boulangerie francesa y expandir las fronteras del arte. Trabajamos en la gestión, producción y curaduría de exhibiciones y acciones artísticas periódicas.

Esta primera muestra colectiva de “La Panera” la pensamos desde el punto de
vista curatorial como una constelación de ideas, una puesta en común, un
diálogo entre artistas para visualizar nuevas conexiones y proponer reflexiones.

PAN es lo cotidiano, lo simple pero con vocación universal, de totalidad. La
masa madre de un pan se alimenta, crece, se comparte. Del mismo modo, a
través del arte creamos lazos y sumamos esfuerzos para llegar a nuevos
públicos.

“La Panera” es un semillero de ideas, un espacio de intercambio y difusión para artistas jóvenes y consagrados. Un punto de encuentro donde generar
acciones.

Creemos en el poder transformador del arte. El arte actúa sobre el mundo,
sobre nuestra manera de percibir y sentir. Con esa convicción trabajamos.

A continuación les presentamos los artistas de esta muestra. Ellos son: Celina BALDASARRE / Susana CABRERA / Santiago CARRERA / Mariana
FADON / Diego FRANGI / Carolina SIMONELLI / Macky HURRELL / Luciana RONDOLINI / Santiago AGUIRRE / Eugenia RYAN.

* Visitas de lunes-miércoles de 9 a 22h y jueves a domingo 9 a 24h, sin cita previa.Malabia 1805 (Esquina Costa Rica) Palermo

Pía Dalesson, Rita Maschwitz y Estefanía Radnic

Carolina Simonelli es una artista visual nacida en 1979 en la Patagonia, sur de Argentina. Se inicia en el trabajo del papel como materia en el 2007 al presente, en una exploración que abarca distintas dimensiones y materialidades, donde el color y los cambios que éste ejerce sobre el ser, son la constante en todas sus obras.

Esta obra del artista argentino Diego Frangi, es parte de una serie de fotografías en blanco y negro sacadas desde un helicóptero por la Ciudad de Buenos Aires. Frangi nació en Buenos Aires en 1978 en donde reside actualmente. También vivió por 12 años en Reino Unido y 2 años en África. Hace más de 2 décadas que se desempeña como realizador audiovisual, fotógrafo y productor de cine, tv y proyectos culturales. Se formó en el Estudio de Diego Ortiz Mugica y con Marcos López, con quien lleva una relación laboral de más de 10 años dirigiendo su estudio a través de Oficina de Proyectos, una productora que él mismo fundó para producir y representar agentes culturales.

Susana Cabrera (1950) ha estado en contacto con las artes plásticas desde 1974. También es psicoterapeuta psiquiatra. Al cruzar ambos campos, su trabajo explora diferentes formas y soportes para trabajar con lo invisible y lo subconsciente, para hacer tangible la esfera de la trascendencia que envuelve incluso a los organismos más diminutos.

Esta obra, una hoja de Gynko Biloba formó parte de la serie exhibida en la Línea Piensa (CC Borges) curada por Eduardo Stupia: “Con una sutil operación lumínica y óptica, Susana Cabrera transforma la fotografía en un afilado instrumento para el despliegue de la línea, la textura y el ornamento, diluyendo productivamente los límites entre herramientas y disciplinas. En su serie Aura propone una suerte de jardín de invierno fantasmal para la supervivencia poética de especies mixtas, a mitad de camino entre la fascinación botánica y el descubrimiento artificial. “

En esta serie fotográfica, Santiago Carrera dialoga con la historia del arte, en particular con un género pictórico antiguo, ligado a la centralidad del objeto llano. A través del arte, se fija para siempre y se vuelve inmortal. La naturaleza muerta se elige, ordena, organiza para crear un estilo formal y cromático. composición, a la vez armoniosa y perturbadora. Carrera inmoviliza frutas, verduras, pescado, huevos, comida desperdicio; al congelarlos, crea la verdadera vida en la naturaleza muerta, unida por la fragilidad de lo efímero, y captura ese momento en el que la superficie de los objetos retiene esa fina capa de escarcha que humedece el colores brillantes de la fruta. (del catálogo  de Gallery Doppia V, Lugano, Suiza).

Celina Baldasarre (1975). Arquitecta y profesora de la Universidad de Buenos Aires. Su trabajo se centra en collages y dibujos, tomando al carbón como tema y medio, dibujar carbón con carbón, el lenguaje se expresa a través del material. Los dibujos conforman texturas uniformes extensas, deteniéndome también en la especificidad del mineral, identificando su patrón, su ser único.

Luciana Rondolini, es una artista de Buenos Aires (1976) con una extensa carrera, exhibiciones, premios y publicaciones. Esta serie hace referencia a las Torres de Aizenberg. “A estas estructuras austeras y aisladas del mundo les agrego una decoración que podría pensarse innecesaria. Asi las torres decoradas con manga de repostería y enduido pueden verse como tortas de casamiento o como vestidos. Funcionan como un pequeño registro de posibles vestidos como el que realicé en carton y enduido que actualmente esta expuesto en el Premio Klemm.”

Eugenia Ryan. Licenciada de Artes Visuales (UNA). Artista visual, ilustradora, nos presenta estas acuarelas que forman parte de su serie “Encubrir”.

“Existe una asociación profunda entre el bosque y el inconsciente. Perderse dentro él es como andar sin rumbo, sin certezas de los límites territoriales pero con la firmeza de los límites de la autoridad humana.  Capas de acuarela se superponen para recomponer las formas. Sinonimia con los procesos del funcionamiento de la memoria. Una tómbola entre el deseo de perdurabilidad  y el destino de la desaparición. “

Mariana Fadon (1976), esta artista visual y diseñadora gráfica nacida en Pehuajó (provincia de Buenos Aires), presenta dos obras en tinta, en donde el trabajo manual se diluye en un una vista en apariencia perfecta. Entran en juego bordados y tramas, que remiten al ámbito femenino y a juegos de la infancia. Patrones y moldes, se cristalizan en una obra en donde las estructuras se repiten. Revelan el acto lento y paciente de dibujar.

Macky Hurell es una artista visual nacida en Buenos Aires en 1985. Siempre en contacto con el arte plástico por pura pulsión creativa tiene una fascinación  por lo orgánico, la vegetación y los animales. Gran parte del proceso de sus pinturas queda librado al azar ya que, sobre una base en la cual utiliza grafito, acrílico y óleo fijada con barniz comienza a trabajar con la pintura asfáltica. Aquí comienza el proceso que a la artista más le interesa: el chorreado con pintura asfáltica -que a veces combina con óleo- trabajándolo con aguarrás, espátula, un trapo, los dedos, dirige el juego de reacciones inesperadas con maestría. 

Santiago Aguirre es un artista visual nacido en 1983 en Pehuajó (Prov. de Buenos Aires) radicado en la capital hace ya muchos años. En sus pinturas explora la humanidad, analiza la compleja relación del ser humano con el cosmos, con lo que existe. Santiago dibuja cuerpos  a base de grafito con una rigurosa precisión y un dominio técnico admirables. La pose de los cuerpos es aleatoria, la disposición de elementos identificables es casual, remite a un juego, al goce. Se conectan azar y pulsión en una especie de ejercicio creativo libre. Por el contrario, la estructura, la precisión, las geometrías morfoadaptadas plantean  una conexión con lo racional. Los cuerpos-objetos se construyen para poder deconstruirnos, tomar distancia de nosotros mismos, de nuestros relatos y contemplar con objetividad la realidad.